Travaillant à l'intersection de la recherche scientifique et de l'artisanat, aurèce vettier est un collectif artistique fondé par Paul Mouginot et Anis Gandoura en 2019, qui vise à comprendre comment des interactions pertinentes et significatives avec les machines et les algorithmes peuvent être réalisées, afin de repousser les limites des processus créatifs. L'expérimentation est cruciale dans leur pratique ; leurs œuvres sont souvent le résultat d'une approche créative et rigoureuse consistant à sélectionner, remixer et générer de nouvelles formes. En regardant leurs œuvres, le spectateur ne peut s'empêcher de se souvenir de la précision et de l'imagination des herboristes médiévaux qui cataloguaient plantes et fleurs dans des manuscrits copiés à la main à travers le monde connu de l'époque.
aurèce vettier est composé d'Anis Gandoura et de Paul Mouginot, tous deux ingénieurs dont l'expertise en technologie de l'IA offre une perspective unique sur les limites et les avantages de travailler avec l'IA pour faire de l'art. Ils vivent et travaillent tous deux à Paris, en France.
Filippo Lorenzin : Paul, il est plutôt rare de trouver aujourd'hui des collectifs de créatifs travaillant ensemble, en particulier dans le domaine du soi-disant « art des nouveaux médias ». Je me demande si vous pourriez me raconter comment vous avez commencé votre collaboration et ce que signifie pour chacun de vous le fait de travailler en collectif ; par exemple, comment cela façonne-t-il votre processus créatif ?
Paul Mouginot : aurèce vettier est en effet un collectif artistique que j'ai fondé en 2019 avec Anis Gandoura. Le format collectif nous aide à inviter des experts et des artisans selon la complexité du projet. À une époque où la collaboration est de plus en plus cruciale, nous voyons cela comme une expérience organique. Nous nous connaissons depuis longtemps et nous nous sommes suivis dans nos premières aventures professionnelles. En 2016, nous avons cofondé une entreprise d'IA déployant une technologie de reconnaissance d'image dans le secteur de la mode. En entraînant, ajustant et mettant en œuvre de nombreux modèles d'IA, nous avons commencé à collaborer avec quelques experts et créatifs de ce domaine à l'époque.
Filippo Lorenzin : Votre approche du développement et de la création des œuvres me rappelle le fonctionnement des ateliers d'art pendant des siècles ; sous un seul nom, on pouvait trouver de nombreux experts dans leurs domaines respectifs qui travaillaient ensemble sur divers projets.
Paul Mouginot : Oui en effet, c'est ce que nous essayons d'atteindre chez aurèce vettier. Ce n'est pas un studio où, en tant que directeur artistique, je décide de tout. C'est plutôt un groupe expérimental. Pour notre prochaine exposition à Paris, qui se tiendra en décembre 2021, nous avons invité un artiste sonore de pointe, Varhat, pour créer avec nous une installation générative interactive. Notre recueil de poésie a été conçu par un graphiste extrêmement talentueux appelé Damas Froissart. Et dans l'exposition, nous collaborons avec des historiens de l'art comme Zsofi Valy-Nagy, qui rédige actuellement sa thèse de doctorat sur l'œuvre de Vera Molnar. Il m'est plus facile de travailler avec des artistes aussi divers et talentueux en créant une atmosphère d'atelier. Cela aide à créer des collaborations bien équilibrées. Ainsi, des idées plus profondes émergent.
Filippo Lorenzin : Étant donné l'importance que le marché de l'art crypto accorde à l'auctorialité et à l'unicité, j'aimerais savoir ce que vous pensez du rôle joué par les personnalités cultes dans l'art numérique.
Paul Mouginot : L'auctorialité et l'unicité sont-elles vraiment des valeurs spécifiques du marché de l'art crypto ? Je dirais qu'en raison de la décentralisation, le concept même derrière l'art crypto, trois phénomènes clés émergent. Premièrement, l'effet de rareté globale de l'attention. Comme les barrières à l'entrée deviennent très basses, un nombre important d'acteurs arrivent dans cet espace — artistes, collectionneurs, commissaires. Cependant, on ne peut passer qu'un temps limité sur Twitter ou à lire des publications d'art, à écouter et découvrir de nouveaux artistes — même 24h sur 24 : la quantité globale d'attention est limitée. Ainsi, au sein de ce réseau, une part plus importante de l'attention est naturellement accordée aux « pionniers », aux collectionneurs éminents, aux stars arrivant dans l'espace ou aux personnes ayant des histoires exceptionnelles. Nous les appellerions les « nœuds du réseau », et nous pensons que leur pouvoir d'influence va croître à l'avenir, reproduisant les mécanismes du monde de l'art traditionnel. Étant donné le nombre de personnes impliquées, nous pensons en fait qu'il pourrait être plus difficile à l'avenir de « réussir » dans l'espace de l'art crypto que dans l'espace réel.
Deuxièmement, le pouvoir de la découverte en réseau. La plupart des superstars actuelles de l'espace NFT étaient presque inconnues il y a un an. Grâce à l'effet de réseau, elles ont été découvertes, promues et leur carrière décolle plus vite que celle de nombreux artistes dans l'histoire. Certaines d'entre elles sont désormais appelées « OG » ou pionniers et ont attiré beaucoup d'attention. Les maisons de vente aux enchères contribuent à cette starification, comme ce fut le cas il y a quelques années avec l'émergence de « l'art IA ». Il est merveilleux de voir comment l'art crypto a changé la vie de nombreux créatifs négligés et a créé un dialogue positif sur l'impact environnemental ou la représentation des minorités dans l'espace artistique. Mais les algorithmes, l'IA et les NFT sont des outils, ou au mieux, des médias. Les pionniers de la photographie comme Nicéphore Niépce ou William Henry Fox Talbot n'ont pas réalisé les meilleures photographies même s'ils ont marqué l'histoire. Nous croyons donc que dans ce domaine, le meilleur reste à venir, le médium sera probablement davantage exploré et questionné, ce n'est que le début. Enfin, la nécessité de l'auto-promotion. Sans intermédiaires, les artistes doivent promouvoir leur propre travail, d'une manière ou d'une autre, pour réaliser des ventes. C'est la partie avec laquelle nous sommes le plus mal à l'aise. En ce qui nous concerne, nous pouvons avoir de nombreux rôles ou intérêts, mais cela s'arrête au fait d'être marchand. Non pas à cause de l'aspect monétaire d'une vente, mais parce que la médiation est cruciale dans l'art — pour donner du contexte, raconter des histoires et trouver la bonne œuvre. Quelles que soient nos évaluations présentes ou futures, nous voulons en rester détachés. Nous espérons que des initiatives comme DiverseNFTArtists se multiplieront à l'avenir, pour donner davantage d'angles curatoriaux à cet espace.
Filippo Lorenzin : Comment voyez-vous le rôle joué par l'IA dans votre pratique ? S'agit-il d'un assistant artificiel sophistiqué mais finalement « stupide » qui vous aide à accomplir ce que vous ne pourriez pas faire seuls, ou s'agit-il plutôt du troisième membre actif d'aurèce vettier ?
Paul Mouginot : Ce que nous faisons, c'est de la recherche. En tant que tel, en utilisant l'IA, nous essayons de ne pas recréer ce qui existe déjà, d'un point de vue théorique, conceptuel et esthétique. En tant que grands admirateurs de pionniers comme Eliane Radigue, Vera Molnar ou Peter Türk — parmi beaucoup d'autres — nous mesurons ce que leur recherche générative nous a apporté dans les années 1960 et après. Pour proposer de nouveaux paradigmes, nous essayons d'atteindre une hybridité maximale entre curation humaine et expertise technologique.
Je ne dirais pas que l'IA est un assistant « stupide », ou du moins elle l'est autant que nous. Cela dépend de la qualité de notre ensemble de données et de nos modèles — mais ce n'est absolument pas le énième membre d'aurèce vettier. L'IA, encore une fois, est un outil. Dans notre cas, les outils et le processus sont des préoccupations secondaires. Notre première préoccupation est de rester constamment dans un équilibre précaire, à la frontière entre un espace de données imaginaire et multidimensionnel et notre belle nature analogique.
Filippo Lorenzin : Je crois que très souvent, le grand public s'intéresse à l'art généré par l'IA de la même manière qu'il le ferait avec un tour de magie ; quelque chose se passe en coulisses et nous, les spectateurs, ne pouvons profiter que de ce que l'artiste/interprète nous laisse voir. Si l'on pense à l'IA comme à n'importe quel autre outil, je suggérerais qu'il existe une différence principale entre elle et, disons, un marteau ou un pinceau ; ce sont des outils utilisés depuis des siècles et tout le monde sait comment ils fonctionnent, au moins de manière basique. L'IA est relativement nouvelle et seuls les experts savent exactement comment elle est développée et utilisée pour générer des contenus, qu'il s'agisse d'images, de textes ou de musique. En d'autres termes, je me demande si l'art généré par l'IA serait aussi intrigant qu'il l'est souvent maintenant si le public en savait davantage sur le plan pratique. Qu'en pensez-vous ?
Paul Mouginot : L'art n'est pas de l'ingénierie, donc nous aurions tendance à ne pas être d'accord. Bien sûr, il pourrait parfois être intéressant de révéler quels algorithmes ont été utilisés — que ce soit StyleGAN, Clip ou autre chose. Ce serait formidable de décrire la quantité importante de travail nécessaire pour créer nos propres ensembles de données, car cela représente souvent 95% de la charge de travail. Il pourrait être intéressant de montrer comment nous avons interagi avec des artisans et des métiers d'art pour créer des pièces extraordinaires. Mais en fin de compte, ce qui compte, c'est le résultat. Nous voulons que le public visite nos expositions, pas nécessairement notre atelier. Nous voulons que le public rencontre nos pièces, pas nécessairement notre processus, même si une grande partie de notre travail est conceptuelle.
Filippo Lorenzin : Elegia Machina (2019) est un recueil de poèmes écrit en collaboration avec une chaîne de Markov, un processus mathématique qui a été utilisé de nombreuses fois dans le passé, notamment en musique. Vous mentionnez à juste titre l'influence de Paul Verlaine, Tristan Tzara et Guillaume Apollinaire, parmi bien d'autres, poètes qui ont vécu ce qui peut être vu comme le stade initial de la modernité. Pourriez-vous m'en dire plus sur ce travail et votre point de vue sur l'héritage de certaines expériences modernistes dans l'art ?
Paul Mouginot : C'est plus qu'une influence, nous avons en fait entraîné les chaînes de Markov sur les œuvres de ces poètes parmi quelques autres. Mais nous sommes très inspirés par des mouvements comme Fluxus, l'OuLiPo, des pièces jouant avec la typographie comme celles de Carl Andre, Guy de Cointet ou une poésie générative plus moderne. Damas Froissart, le graphiste derrière Elegia Machina, nous a également fait découvrir Typoésie, un livre sublime de Jérôme Peignot qui est désormais constamment dans notre esprit. Nous passons beaucoup de temps à lire et à découvrir de nouvelles propositions dans ce domaine, non pas à des fins de comparaison mais plutôt parce qu'il est parfois excitant, en tant que recherche, de s'appuyer en partie sur les propositions des autres. Cependant, nous n'avons pas vu beaucoup d'artistes faire de nombreux allers-retours entre les espaces réels et les espaces de données pour créer des textes et des visuels super hybrides, donc dans ce domaine, il semble que nous défrichons un nouveau territoire.
Filippo Lorenzin : Dans Latent Botanist Writings (2020), vous avez entraîné vos GAN avec de vieux herbiers et généré un nouvel alphabet. Le résultat est magnifique : les lettres ressemblent à des styles d'écriture manuscrite oubliés depuis longtemps, laissés à s'entrelacer avec des plantes et des branches de manière organique. Pouvez-vous détailler le processus technique derrière ce travail ?
Paul Mouginot : Lorsque nous avons programmé les GAN sur des herbiers, cela a généré non seulement des fleurs impossibles et des colorimètres déformés, mais aussi d'étranges tentatives de reproduction de ce qui était censé être des notes écrites par des botanistes. Mais c'était dans une nouvelle sorte d'alphabet, et c'était merveilleux à voir.
Dans l'exposition, il y aura en fait des reproductions de ces « écritures impossibles » brutes sous forme de peintures à l'huile. J'ai donc rassemblé de nombreuses notes générées par GAN et extrait manuellement un nombre significatif de lettres, sur la base de considérations purement esthétiques. Ensuite, j'ai créé une nouvelle police que j'ai appelée « Latent Botanist » et qui fait désormais partie de ma pratique. J'essaie de ne l'avoir que sur un ordinateur hors ligne car je ne veux pas que cette police se propage. C'est en quelque sorte un secret industriel pour moi.
Récemment, j'ai été invité à participer à Twelve, un projet de crypto-littérature initié par Kalen Iwamoto. Pour ce projet, j'ai proposé un poème écrit en collaboration avec des chaînes de Markov, le même processus que j'ai utilisé pour mon recueil de poésie Elegia Machina mais écrit en Latent Botanist. La pièce a été présentée sur Twitter avec peu d'informations et quelques minutes plus tard, Rishabh Chakrabarty, chercheur au studio Refik Anadol, essayait déjà de la décoder. Il a mobilisé de nombreux amis experts autour de lui et a passé presque une journée sur l'énigme. Parfois, j'enterre des parties d'une pierre de Rosette, soit dans la blockchain, soit sur des œuvres physiques. Beaucoup de mes pièces ou textes sont profondément entrelacés, comme vous le dites très justement.
Filippo Lorenzin : Le besoin de traduire et de transférer des données du monde physique vers l'IA et inversement semble jouer un rôle central dans votre recherche ; par exemple, dans We Will Make You Bow To The Delicate (2020), vous avez utilisé l'alphabet généré par les GAN pour écrire un poème sur de petites tablettes de grès. Quand avez-vous commencé à développer cette approche physique ?
Paul Mouginot : Le besoin de projeter des calculs virtuels, de la modélisation ou des générations dans des objets physiques est un aspect structurel de ma pratique. Cependant, lorsque je travaille avec les technologies, je ne ressens pas le besoin de tout transformer en un cirque post-Internet criard et glitché. C'est en fait tout le contraire. Je veux être dans un monastère, dans un jardin, dans une pièce silencieuse quelque part dans un ryokan. Je veux être dans une montagne, avec des oiseaux volant haut, et en levant les yeux, je veux être fasciné par la forme étrange d'un arbre impossible. Sur l'une des tablettes de grès, j'ai écrit un poème, en effet. Mais d'un autre côté, j'ai écrit un diagnostic médical correspondant à une période très difficile que j'ai vécue à l'hôpital il y a quelques mois. Je peux donc dire deux choses : ces pièces sont si chéries et sensuelles qu'il m'a fallu du temps pour les laisser partir, et les collectionneurs contemporains qui les ont acquises sont heureusement de bons amis. Et sans l'utilisation du grès et le secret élégant offert par les écritures Latent Botanist, je ne suis pas sûr que cet équilibre aurait pu être atteint. Dans l'exposition, je ne travaille pas seulement sur des pièces physiques. Les peintures ont été créées en collaboration avec un artisan chinois nommé Jack Lee. Les cinq sculptures en bronze de grande taille sont réalisées en collaboration avec Fonderie Fusions, un métier d'art primé situé dans la région d'Auvergne en France. Ces objets auront donc une qualité exceptionnelle et c'est crucial pour moi. Enfin, les œuvres que nous produisons ne sont jamais « natives d'un médium » mais plutôt des sortes d'hybridation. Par exemple, nos peintures à l'huile sont augmentées. Le cadre en bois contient beaucoup d'informations supplémentaires et d'aventures potentielles.
Filippo Lorenzin : Dans quelle mesure pensez-vous que l'utilisation de l'IA dans l'art est liée à son développement technique ? En d'autres termes, de nouvelles découvertes en ingénierie conduiraient-elles à des œuvres et des projets artistiques impensables avec la technologie actuelle, ou cela importe-t-il moins que la recherche théorique et philosophique qui lui est appliquée ?
Paul Mouginot : D'habitude je n'aime pas répondre de cette façon mais je crois fermement que l'utilisation de l'IA dans l'art est et n'est pas, en même temps, liée à son développement technique. D'une part, la recherche en IA n'est pas un nouveau domaine et les artistes génératifs n'ont pas attendu l'émergence des GAN pour rechercher ces technologies. Parfois, les artistes avaient même des idées et ne pouvaient les mettre en œuvre que quelques années plus tard, créant une « double datation » sur les œuvres d'art. C'est par exemple le cas de Vera Molnar. D'autre part, j'ai pu être témoin de l'émergence de nouveaux types de processus, de nouveaux types d'esthétiques et de nouveaux types d'expériences autour de l'IA. Récemment, j'ai été fasciné par cette pièce de James Yu, où deux IA essaient de fixer un rendez-vous ensemble et trouvent toujours des excuses. Je crois que cela n'aurait jamais pu être créé de manière artistiquement pertinente sans l'émergence de GPT-3 par exemple. En ce qui me concerne, le point de départ d'une œuvre peut être soit technique, parce que j'essaie de jouer avec des outils sophistiqués, soit intime, quand je joue avec une idée et que je construis à partir d'elle. Dans tous les cas, c'est le début de nombreux allers-retours. Par exemple, en ce moment, je joue avec des algorithmes de génération de texte en image comme CLIP, ou « deep daze » de Phil Wang, en essayant de les adapter à mon goût et à mon écosystème visuel. Mon recueil de poésie Elegia Machina est, en quelque sorte, un voyage imaginaire. J'ai sélectionné quatorze étapes importantes, comme un chemin de croix. Je génère des images pour le représenter, et je les transformerai ensuite en petites peintures à l'huile, comme de précieuses icônes post-surréalistes.
Filippo Lorenzin : Sur quoi travaillez-vous en ce moment ?
Paul Mouginot : Outre l'exposition de décembre, j'ai travaillé sur diverses collaborations, et je termine un projet très ambitieux avec la Galerie Gismondi à Paris. J'essaie de suivre mon propre rythme, de beaucoup lire, de suivre ce qui se passe bien sûr mais sans être trop embarqué dans la frénésie actuelle. La dernière pièce sur laquelle j'ai travaillé est un essai personnel, utilisant une implémentation de l'algorithme « deep daze ». Elle s'appelle « a bearded man working on a completely beige painting (AV-2021-U-120) ». J'ai adoré le résultat de l'algorithme. Je vais le transformer en peinture avec l'aide de Jack Lee, et je pourrais bien le garder pour moi pendant un moment.
