aurèce vettier는 2019년 Paul Mouginot(1990년생)가 설립한 예술 프로젝트입니다. 알고리즘을 이용해 만들어진 이 가명은 협업적이고 개방적이며 혼종적인 접근에 대한 열망의 은유입니다.
aurèce vettier의 모든 작업과 마찬가지로, 이 정체성은 존재하고, 그리고, 칠하고, 조각하고, 부수고, 지우는 것이 가능한 «실제» 공간과, 인간이 파악할 수 있는 것보다 더 많은 차원을 가지고 놀 수 있는 «데이터» 공간 사이를 수없이 오갈 수 있게 해줍니다 — 이는 온라인 플랫폼에서 이미지를 계속해서 업로드하고 다운로드하는 몸짓과 유사합니다.
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스튜디오에서의 aurèce vettier, Romain Darnaud 촬영 초상
AI 알고리즘이나 방대한 수학적 처리가 관여할 수 있는 이 가상 공간에서, aurèce vettier는 종종 개인적이고 내밀한 데이터를 사용하며 새로운 형태를 탐구하고, 이는 이후 다양한 공예와 긴밀히 연결되어 유형의 사물로 구현됩니다.
이 접근법은 기계로 생성된 요소들을 완성된 작품의 집합으로 보는 것이 아니라, 개념적 가능성을 확장하고 미술사에 대한 초기 지식을 보완하는 원재료로 여기는 것입니다.
ALIEN Q&A — AURÈCE VETTIER
AI 시대에 예술가가 된다는 것은 무엇을 의미하나요?
저는 세상 속 예술가의 위치, 그의 역할이 급격히 변화하고 있다고 확신합니다. 많은 예술가 친구들이 주장하는 것과는 반대로, 저는 AI 자체가 하나의 매체라고 생각하지 않습니다. AI는 도구이며, 물리적, 디지털적으로 광범위한 매체에서 표현을 가능하게 합니다. 그럼에도 불구하고, 이 도구는 특히 자신의 예술적 실천에 맞춰 특별히 훈련되고 배포된 AI 모델을 사용할 때 놀라운 소화 능력을 갖추고 있습니다.
저는 자연 환경과 긴밀히 연결되어 작업하는 것을 매우 즐기지만, 동시에 꿈이라는 특별한 재료와도 함께 작업하는 것을 좋아합니다. 많은 자연 현상은 빠르거나 느린 변형이자 화학 반응이며, 꿈 역시 마찬가지로 때때로 폭력적인 현실을 소화하고 흡수하는 데 도움을 줍니다.
우리가 아는 세계와 거의 비슷하지만 정확히 같지는 않은 세계에 다가가고, 그것을 재창조하려는 시도를 통해, 저는 특히 이 평행성을 탐구하는 것을 좋아합니다.
왼쪽: aurèce vettier, 손에 든 날카로운 칼로 참수되는 물고기; 나는 물고기이자 칼이자 손이다, AI 생성 이미지를 바탕으로 캔버스에 유화, 오크 액자, 금박, 20cm x 30cm, AV-2021-U-282
오른쪽: aurèce vettier, Rothko 그림에서 나타나는 Kalash Criminel, AI 생성 이미지를 바탕으로 캔버스에 유화, 오크 액자, 금박, AV-2021-U-293
당신은 왜 Alias에 참여하게 되었고, 이를 어떻게 사용하나요?
오랫동안 AI를 사용해온 예술가들 중, 자신의 모델과 작업 및 탐구 도구를 강하게 개인화하는 아이디어에 관심을 가진 이는 많지 않습니다. 우리는 서로 잘 알고 있으며, 특히 전 세계 각지의 그룹전을 통해 정기적으로 서로 이야기를 나눕니다.
예술가가 반드시 엔지니어일 필요는 없지만, 새로운 기술을 한계까지 밀어붙이고, 그 한계를 질문하며, 심지어 그것을 가지고 즐길 수 있는 도구나 자원을 쉽게 갖출 수 있어야 합니다. Alias와 같은 도구는 이러한 모델을 커스터마이징하는 진입 장벽을 낮춰주기 때문에 환영할 만합니다.
AI와 인간의 협업이 증가하고 있습니다. 기계와 함께한 협업 프로젝트와 그 결과에 대해 말씀해 주실 수 있나요? 당신의 예술적 실천에서 인간의 의도성과 생성형 AI 알고리즘의 예측 불가능성 사이의 균형을 어떻게 조율하시나요?
제 작업에서 저는 우리 세계와 조금 비슷하지만 그것과 끊임없이 진동하는 세계를 상상하고 재구성하려고 합니다. 이러한 발상은 문학뿐 아니라 수학에서도 발견할 수 있습니다. 우리가 아는 현실에 몇 개의 차원을 추가하면, 더 깊이 사고하고, 특정 복잡한 문제를 해결하는 데 진전을 이루며, 내면적 성찰의 질문에서도 나아갈 수 있습니다. 어떤 의미에서 우리는 우리 자신의 우주와 비슷하지만 특정 규칙과 제약에서 벗어난 우주 속에서 진화합니다. 때로는 이것이 유년기의 단순함, 깨달음, 그리고 명백한 것들을 재발견하게 해주기도 합니다.
우리가 현실로 돌아가야 할 때, 우리는 수학에서 투영(projection)이라 불리는 것을 수행합니다. 우리는 이러한 추가 차원들, 즉 정보의 일부를 잃기로 선택하지만, 우리가 선택한 각도에서 그렇게 합니다.
예술가로서, 이것이 바로 제가 인공지능을 사용하는 데 매료되는 이유입니다. 저는 개인적이고 심지어 내밀한 데이터로 모델을 훈련시켜 높은 수준으로 개인화하며, 이를 통해 일종의 내면 성찰 보조 도구를 갖게 됩니다. 그리하여 저의 작품 시리즈 Circular Ruins(2022)와 le travail des rêves(2024)에서, 저는 유년기부터 현재까지의 제 모든 사진으로 훈련된 텍스트-이미지 인공지능을 사용하여 꿈을 표현하려 시도합니다.
전시 전경: le travail des rêves, 유년기부터 현재까지 aurèce vettier의 사진 아카이브로 훈련된 맞춤형 AI를 기반으로 꿈을 묘사한 100점의 회화 세트. Galerie Bigaignon, 파리, 2024. 사진: Romain Darnaud
처음부터 이 시도는 분명 실패할 운명이지만, 제 모델이 제가 제공한 꿈의 묘사를 바탕으로 이미지를 돌려줄 때, 저는 유년기의 색채와 제 관심을 끄는 형태들, 그리고 결코 놀라움을 멈추지 않고 저를 계속 나아가게 하는 일종의 뜻밖의 발견을 재발견합니다.
생성형 AI는 예술가와 창작자들에게 새로운 길을 열어주었습니다. 이 기술이 제공하는 가장 흥미로운 가능성은 무엇이라고 생각하시나요? 앞으로 몇 년간 창작 산업에서 생성형 AI의 역할이 어떻게 진화할 것이라 보시나요?
오늘날 수많은 도구와 인터페이스가 더 넓은 대중이 생성형 AI의 가능성을 이해할 수 있게 해줍니다. 이러한 도구들은 점점 더 많은 사용자에게 사용되고 있지만, 그 활용은 여전히 널리 퍼져있다고 보기 어렵고, 이 분야에는 아직 해야 할 연구가 많이 남아 있습니다. 게다가 기업들은 커스터마이징 없이 기성 모델을 단순하게 사용하는 것만으로는 이 기술의 힘을 최대한 활용할 수 없다는 것을 깨닫고 있습니다.
예술에서도 마찬가지입니다. 인공지능 모델을 예술가의 미학적 또는 개념적 생태계에 맞춰 조정하지 않으면, 독창적인 이야기를 펼치기 어렵습니다.
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생성형 AI에 대해 제가 흥미롭게 느끼는 것은 정확히 이러한 도구들이 콘텐츠를 생성하는 능력이 아닙니다. 왜냐하면 우리는 이미 과잉의 맥락 속에 있고, 독자보다 작가가 더 많은 상황이기 때문입니다. 그러니 일반적인 모델을 통해 파생된 또 다른 목소리를 이 불협화음에 추가하는 것이 무슨 의미가 있을까요?
반면, 생성형 AI는 대량의 데이터를 소화하고 그로부터 일종의 정수를 추출하여, 텍스트에서 이미지로, 이미지에서 비디오로 등 하나의 매체에서 다른 매체로 전환할 수 있게 해줍니다. 이것이 바로 제가 예술적 연구에서 집중하는 방식들입니다.
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aurèce vettier x Katarzyna Cichy, chrysodryas(그녀가 보낸 것, Anjou), 금으로 도금된 청동 몸체, 옅은 파란 사파이어, 짙은 파란 사파이어, 짙은 파란 사파이어, 화이트 토파즈, 옅은 파란 사파이어로 세팅; AI로 생성된 독특한 패턴의 날개, 한국산 섬유지에 아카이벌 안료 인쇄, AV-2024-U-569-KC
일부에서는 AI가 인간의 창의성을 대체할 수 있다고 주장합니다. 이에 대해 어떻게 생각하시나요? AI를 인간 예술가의 협력자로 보시나요, 아니면 경쟁자로 보시나요?
이 질문이 제기되는 이유를 이해합니다. 특히 2020년대 이후로 더욱 그렇습니다. 지금까지 예술가가 컴퓨터 기술을 사용할 때, 이는 종종 일종의 원재료를 생성하기 위한 것이었고, 이후 이는 수많은 주관적 선택을 통해 변형되고 또 변형되어 예술 작품으로 귀결되었습니다.
오늘날에는 점점 더 알고리즘 자체가 작품이 되고, 수집가들이 구매하는 작품은 이 알고리즘의 단순한 발현에 불과한 경우가 늘어나고 있습니다. 이런 의미에서 예술가는 기계에 더 많은 창작의 자유를 위임하기로 선택하는 것일 수 있습니다. 하지만 이는 다른 방식의 상호작용이며, 저는 이것이 예술계 전체로 퍼질 것이라고 확신하지 않습니다.
생성형 AI 예술 분야에서 특히 흥미롭거나 유망하다고 느끼시는 특정한 트렌드나 발전이 있나요?
지난 몇 년간 기술이 상당히 발전하고 풍부해졌음에도 불구하고, 저는 여전히 GAN(생성적 적대 신경망)이 제공하는 가능성에 매료되어 있으며, Bard Ionson이나 Sofia Crespo처럼, 특히 최근의 나비 조각 시리즈—작은 날개들을 생성하는 데—계속해서 이를 사용하고 있습니다.
텍스트에서 이미지로, 텍스트에서 비디오로, 또는 텍스트에서 3D로 전환하는 모델에 관해서는, 처음부터 이러한 유형의 상호작용을 다소 의심스럽게 여겨왔습니다.
예술가로서, 심지어 디자이너로서도, 원하는 것을 텍스트 형태로 정확하게 설명하는 것은 좀처럼 가능하지 않으며, 게다가 그렇게 할 수 있다면 애초에 그림, 조각, 또는 다른 어떤 종류의 창작물을 만들 필요도 없었을 것입니다.
종종 우리는 시행착오를 통해, 지름길을 택하거나, 반대로 수년간 하나의 몸짓에 집중함으로써 작업에 도달하게 됩니다.
요컨대, 저는 인공지능에 대해 가장 유망한 것은 그 도구들과의 상호작용을 위한 새로운 가능성의 등장이라고 생각합니다: 인페인팅과 아웃페인팅, 예를 들어 진행 중인 작품에 여러 미세한 수정을 가하기 위해 음성을 사용하는 것, 그리고 스케치에서 이미지로의 전환, 그리고 이 모든 것이 실시간으로 이루어지지 못할 이유가 있을까요?
바르셀로나 LOAD Gallery에서 열린, aurèce vettier와 Ana Maria Caballero가 함께한 그룹전 FINE PRINT의 전시 전경, 2024
새로운 기술이나 기능이 출시되면, 저는 물론 그것에 관심을 가지고 연구해 보려 합니다. 저는 천성적으로 매우 호기심이 많고 탐구하는 것을 좋아하기 때문입니다. 반면, 저는 이런저런 기술을 가장 먼저 사용하려고 서두르는 경우는 드물며, 그것이 제가 전하고자 하는 전체적인 이야기에 어떻게 부합하는지 지켜보는 편입니다. 이 이야기는 항상 제 마음속 깊이 자리하고 있으며, 그것이 저에게 가장 중요한 것입니다: 일종의 균형, 올바름을 찾아내어, 모든 작품들이 어떤 방식으로든 서로 연결되어, 개념적으로나 미학적으로 일관된 생태계를 이루도록 하는 것입니다.
AI와 창의성을 규율하는 법적, 규제적 틀을 형성하는 데 있어 예술가들이 어떤 역할을 해야 한다고 생각하시나요?
저는 예술가들이 기술을 위한 법적 틀을 만드는 데 있어서는 전혀 어떠한 역할도 해서는 안 된다고 생각합니다.
강력하고 상징적인 작품, 퍼포먼스, 행동을 통해, 그들은 이미 기술을 한계까지 밀어붙이고 있으며, 종종 시대를 몇 년 앞서 질문을 던지고 있습니다. 이는 새로운 일이 아닙니다: 인간과 기계 사이의 상호작용에 관한 많은 질문들은 이미 50년대와 60년대에 예술가들에 의해 제기되었으며, 오늘날에도 많은 예술가들이 기술의 유용성과 그 부정적 외부 효과를 어떻게 조화시키면서 자연과의 친밀한 관계를 유지할 수 있을지를 묻고 있습니다.
